The Rollings Stones

The Rolling Stones es una banda británica de rock que, junto a The Beatles, con los que siempre rivalizó en popularidad, sirvió como punta de lanza de la llamada invasión británica que se produjo en los primeros años de la década de 1960.

La banda fue fundada en Londres en 1962 por el multi-instrumentista Brian Jones, el cantante Mick Jagger, el guitarrista Keith Richards, el pianista Ian Stewart, el baterista Charlie Watts y el bajista Bill Wyman.
Sus primeras producciones incluían versiones y composiciones influenciadas en el blues, rock and roll y R&B norteamericano de Robert Johnson, Chuck Berry, Bo Diddley y Muddy Waters. Mientras fueron avanzando en su carrera le adicionaron toques de los géneros dominantes del momento, como en su tiempo lo fueron la música psicodélica, el country, la música disco, el reggae y la música electrónica. En 1965 lanzaron el sencillo "(I Can't Get No) Satisfaction", que los catapultó al estrellato internacional y los estableció como una de las bandas más populares en la escena musical de su época.[5] Algunas de sus producciones están consideradas entre las mejores de todos los tiempos por la crítica,[6] [7] [8] [9] entre los que destacan Beggars Banquet (1968), Let It Bleed (1969), Sticky Fingers (1971) y su considerada obra máxima Exile on Main St. (1972).
En 1989, fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll, y en 2004 puestos en el cuarto lugar por la revista estadounidense Rolling Stone en la lista de Los Inmortales: los 100 artistas más grandes de todos los tiempos. Son considerados una de las más grandes e influyentes bandas de la historia del rock junto a otras como Pink Floyd, Led Zeppelin, The Beatles, Queen o The Who. Ningún grupo de rock hasta la fecha ha sostenido tan duradera y todavía mundialmente reconocida trayectoria como The Rolling Stonesa, asociación formada por Jagger, Richards y Watts (únicos miembros fundadores en la banda) continúa siendo la más larga en la historia del rock.

Tom Waits

Nació el 7 de diciembre de 1949 en un taxi aparcado delante del Murphy Hospital, Pamona, California, USA. Definido como un cineasta; posee narrativa, describe situaciones, combina géneros, escenifica historias; se podría asegurar que Tom Waits es un catálogo de música americana. Sus influencias fueron el Jazz, blues, gospel. Fue empleado de joyería, vendedor de helados, ayudante de cocinero, bombero voluntario y portero de hotel entre otros trabajos. Solía grabar en cintas todo lo que le rodeaba; conversaciones en bares, sonidos de la calle, etc. Según describe, en esas grabaciones encontraba las letras para sus canciones. Cuando tenía veinte años se ganaba la vida tocando el piano y el acordeón en modestos locales de Los Angeles. Sus primeros discos aparecieron entre 1973 y 1975 -Closing Time, Heart Of Saturday Night y el doble en directo Nighthawks At The Diner-. Los Eagles interpretaron con éxito, Ol '55, una de las canciones de su primer disco. En octubre de 1977, Bette Midler colaboró con él en Foreign Affairs. En 1978 hizo su debut como actor, junto a Sylvester Stallone, en Paradise Alley. Posteriormente actuaría en películas como The Outsiders y The Cotton Club, de Francis Ford Coppola. También compuso bandas sonoras como One From The Heart (Francis Ford Coppola, 1982), por la que fue nominado para el Oscar. Publica a continuación discos como Swordfishtrombones o Raindogs que lo presentan todavía más marginal, pero igualmente aclamado por la crítica especializada. Sacó Bone Machine (1992), que consiguió un Grammy en la categoría de música alternativa.

Bruce Springsteen

Bruce Frederick Joseph Springsteen nació el 23 de septiembre de 1949 en Freehold, una pequeña localidad de New Jersey. Los padres, Adela Dutch y Douglas Springsteen, de origen italiano e irlandés respectivamente, pertenecían a una familia humilde y trabajadora.
Bruce, según el mismo cuenta, “pase dieciocho años de mi vida en un pueblecito de New Jersey, en la puerta de al lado de una gasolinera, la de Ducky Slattery. En los pueblos pequeños la gente, niños y ancianos, tenían la costumbre de sentarse alrededor de las gasolineras”.
Para mantener a la familia, el padre se vio obligado a cambiar frecuentemente de trabajo: en fábricas, conductor de autobuses, jardinero,...
En julio de 1981, la revista Vibraciones publicaba una entrevista que dio Springsteen al terminar el concierto de Barcelona, en la que recordaba: “crecí en un pequeño pueblo de 10.000 habitantes, y a medida que me hacía mayor veía a la gente que me rodeaba, y me parecía como si nadie fuese a ninguna parte. Empecé a mirar hacia atrás y me di cuenta de que mi padre y mi abuelo habían trabajado toda su vida en una fábrica, y que las cosas no iban a ser muy diferentes para mí a no ser que hiciera algo al respecto”.
Un día de 1958, viendo el programa de televisión The Ed Sullivan Show, se quedo estupefacto con un tipo al que las cámaras sólo le enfocaban de cintura para arriba, tratando de evitar los escandalosos movimientos de su pelvis: “tenía 9 años y no podía imaginar que alguien no quisiera ser como Elvis. Si no te gustaba el Rey, para mí eras un anormal”.
Así nació esa pasión por la música y principalmente por la guitarra.
Unos días después entro en una casa de empeños y vio “la cosa más bonita que nunca tuve delante. Ella estaba ahí: una guitarra. Me costó dieciocho dólares, y cuando salí de la tienda ya tenía lo único que necesitaba en este mundo”.
A Bruce le había dado muy fuerte con la música y sus padres trataron de quitarle esta idea, aunque no lo consiguieron. Él quería aprender a tocar. Sus maestros preferidos en esos momentos eran: Chuck Berry, los Beatles y por supuesto, Elvis Presley. También le gustaba Eric Burdon, los Rolling Stones y Sam Cooke, entre otros.
En 1965 conoció a Tex Vinyard y a un amigo de éste, George Thies. Juntos formaron el primer grupo de la historia de Bruce: The Castles. Mas tarde se integraron otros cuatro músicos, y Springsteen se transformó en el guitarra solista del grupo. Su presentación en público fue en el West Haven Swim Club.
The Castles se disolvió en 1967 ya que la experiencia no fue muy positiva. Posteriormente fueron varios los grupos creados con una breve duración; Earth fue el nombre de la siguiente banda, en 1968 la formación Child, Still Mill con los mismos músicos se crea en 1969 y finalmente la Bruce Springsteen Band con la que consigue su primer contrato discográfico con la CBS en 1972.
A partir de esta fecha podríamos decir que se esta gestando la que será la banda que acompañará a Bruce, la E Street Band.

El rock sinfónico

El rock sinfónico es un estilo musical surgido a partir de mediados de los sesenta que pretende explorar nuevos caminos musicales, mediante la combinación creativa de elementos de la música docta (o mal llamada musica "Clasica"), la psicodelia y el hard rock.

En el rock sinfónico se suele plantear la concepción de la obra musical como un todo coherente (el álbum o disco conceptual), en vez de como un conjunto de temas sueltos. Los primeros discos conceptuales, como Sgt. Pepper's Lonely Hearts' Club Band, de los Beatles, o Days of a future passed, de Moody Blues, son ciclos de canciones relativamente breves, que desarrollan una historia. Dando un paso más, bandas de los 70 como Pink Floyd, Mike Oldfield, King Crimson, Jethro Tull, Genesis, Emerson, Lake and Palmer o Yes se lanzan a la creación de obras épicas como Supper's Ready, Tubular Bells o Thick as a brick, una suerte de sinfonías rock, que a menudo se extienden durante toda una cara (o las dos) de un LP.

Van Morrison

George Ivan Morrison, más conocido como Van Morrison, nació el 31 de agosto de 1945 en la ciudad irlandesa de Belfast. Su madre era cantante y su padre, también muy aficionado a la música, tenía por pasión coleccionar discos. Así fue como Van Morrison fue introduciéndose en estilos como el jazz, blues y folk.
En 1963 Van Morrison, junto a otros músicos de los Monarchs y otros de la banda The Gamblers, forma el grupo Them. Juntos grabarían dos estupendos discos bajo la producción de Bert Berns. No obstante, las tensiones entre Van Morrison y Berns forzaron la salida de Van Morrison de los Them. A pesar de ellos, el cantante y productor se reconciliaron brevemente para publicar un sencillo titulado "Brown eyed girl". Tras la muerte de Berns unos meses después, Van Morrison entra en una nueva etapa musical, dotándose de un estilo más intimista y con un sonido más exquisito, menos enérgico que el que poseía con los Them.
En la década de los setenta Van Morrison se traslada a Estados Unidos, donde grabaría discos de la talla de "His Band and the Street Choir", "Tupelo Honey", o "Saint Dominic’s Preview", un álbum con toques de soul aparecido en 1972.Estos son algunos de sus otros discos:
En 1973, publica el álbum "Hard nose the highway".
En 1974 publica "Veedon fleece", un álbum sensiblero pero de gran calidad, que marcaría el inicio del declive de Van Morrison.
En la década de los ochenta se ajustó a su perfil, siendo fiel a su estilo musical, publicando discos como "Common One" (1980), "Beautiful Vision" (1982) o "No guru, no method, no teacher" (1986), "Irish Heartbeat" (1988) o "Avalon Sunset" (1989).
En 2005 Van Morrsion publica el álbum titulado "Magic time".
Em 2009, Van Morrison publica "Astral weeks live at the Hollywood", una grabación en directo que revisa el mítico Astral Weeks.

Edvard Grieg

Edvard Grieg fue un famoso compositor noruego. Fue el más importante de su país durante el siglo XIX. Nació en Bergen el 15 de junio de 1843. Estudió piano con su madre, pianista profesional, y más tarde en el conservatorio de Leipzig. Fue el compositor danés Niels Gade quien le animó en la labor de componer. El noruego Rikard Nordraak despertó su interés por la música folclórica noruega. Con él, dijo, "aprendí a conocer los cantos del norte y mi propia naturaleza". Entre 1866 y 1876 Grieg vivió en Cristianía (hoy día Oslo), donde fue profesor de música y director de la Sociedad Filarmónica. En 1867 contrajo matrimonio con su prima, la soprano Nina Hagerup. Su defensa de la escuela basada en la música folclórica noruega originó el enfrentamiento con músicos conservadores y críticos, por lo que sus propias obras tardaron en ser apreciadas.
El primer músico de talla internacional que alabó su trabajo fue el compositor húngaro Franz Liszt. En 1874 el gobierno noruego le concedió un salario anual que le permitió dedicarse por entero a la composición. Se hizo famoso por su música incidental para el drama poético Peer Gynt (1875), de Henrik Ibsen. En 1885 se aisló en un estudio de Lofthus y en 1885 mandó construir la villa Troldhaugen, cerca de Bergen, donde vivió el resto de sus días. Murió el 4 de septiembre de 1907.
Aunque su música está influida por la de los compositores románticos, especialmente Robert Schumann y Frédéric Chopin, Grieg adaptó sus propias melodías basándose en el estilo del folclore noruego y fue el maestro de los fundamentos armónicos que evocan la atmósfera de su tierra. De su producción musical destacan Heridas de corazón, La última primavera (inspiradas en un poema noruego), y la suite En tiempos de Holberg, para orquesta de cuerda; El retorno al país y Olav Trygvason, para coro y orquesta, un cuarteto de cuerda y numerosas obras para piano, entre ellas una balada en sol menor y el famoso Concierto para piano y orquesta en la menor. Sus canciones han tenido una especial difusión.

La Zarzuela

La zarzuela es una forma de música teatral o género musical escénico surgido en España con partes instrumentales, partes vocales (solos, dúos, coros...) y partes habladas. Se diferencia de la ópera en que la zarzuela está cantada en español, e incluye partes habladas en lugar de los recitativos cantados de la ópera. Se cultivó también en Cuba y Venezuela, donde destacaron los compositores Ernesto Lecuona y José Ángel Montero respectivamente.

• Historia
  

Parece que los primeros autores que aportaron su genio a este nuevo estilo de teatro musical fueron Lope de Vega y Calderón de la Barca. Según las investigaciones, Calderón es el primer dramaturgo que adopta el término de zarzuela para una obra suya titulada El golfo de las sirenas (1657). El auge de la zarzuela llegó, en el siglo XIX, a partir de 1839, con los músicos Francisco Barbieri y Emilio Arrieta. Muchas veces el éxito de la obra se debía a una o más canciones que el público aprende y da a conocer oralmente, como ocurría con los cuplés. El engranaje de la obra siguió siendo el mismo: números hablados, cantados, coros, que se aderezan con escenas cómicas que, generalmente, son interpretadas por un dúo. Abundaba el género costumbrista y regionalista y en los libretos se recogía toda clase de modismos, regionalismos y jerga popular. En los primeros años del siglo XX, se componen obras de mayor calidad musical como "Doña Francisquita" de Amadeo Vives o, un poco antes Gigantes y Cabezudos)[1] 1898", del maestro Fernández Caballero que supo ganarse muy bien a la crítica componiendo una obra muy del "gusto popular".

Luigi Boccherini

Luigi Boccherini (Lucca, actual Italia, 1743-Madrid, 1805) fue un famoso compositor y violoncelista italiano.
Dentro del período clásico, Luigi Boccherini es siempre el gran olvidado, a pesar de la estima que le profesaron músicos como Franz Joseph Haydn, quien reconocía su singular aportación al desarrollo de la música de cámara. Formado en su ciudad natal como violoncelista, instrumento poco considerado entonces, en 1768 se trasladó a París, donde recibió la oferta de entrar al servicio de la corte española como músico de cámara del infante don Luis. Establecido en Madrid, prosiguió su labor creadora, dando a la imprenta algunas de sus obras más célebres, como las basadas en motivos españoles, y en especial el Quintettino Op. 30 n.º 6 «La musica notturna di Madrid»
(1780) o el Quinteto de cuerda Op. 50 n.º 2 «Del Fandango» (1788). Durante sus últimos años hubo de ver cómo su música y su persona caían en el olvido. Autor prolífico, se le deben un Stabat Mater (1781), 26 sinfonías, entre las que destaca la subtitulada La casa del diablo, 125 quintetos y 91 cuartetos.

Louis Armstrong

Louis Armstrong (Nueva Orleans, 4 de agosto de 1901 – 6 de julio de 1971), también conocido como Satchmo y Pops, fue un trompetista y cantante estadounidense de jazz.
Se trata de una de las figuras más carismáticas e innovadoras de la historia del jazz y, probablemente, su músico más popular. Aquí una de sus canciones: "When The Saints Go Marching In"

Jazz: origen y evolución

El jazz es, por encima de cualquier otra cosa, improvisación, vida, expresividad, evolución constante. El verdadero jazz se encuentra en el Mississippi: brota de las manos del pianista de algún bar, o en medio de los miembros de una banda de músicos que tocan por las calles de Chicago. El jazz es también la melodía que brota de un clarinete o de un saxo, que exalta la vida, y es también una oración a Dios.

• Un nacimiento original

El jazz es un estilo musical surgido en Nueva Orleans (Estados Unidos) hacia 1850. Sus orígenes se remontan a los cantos de los esclavos negros de las plantaciones de algodón (Spiritual songs o “canciones espirituales”), al blues y al gospel: las canciones de los afroamericanos convertidos al protestantismo.
Se podría decir que el jazz es, sobre todo, música para ser escuchada con los pies. De hecho, ya lo dijo un director de orquesta norteamericano, John Philip Sousa:
"El jazz perdurará mientras la gente lo escuche con los pies y no con la cabeza."
Y este es el entorno en el que se desarrolla la música jazz durante los años 30, con las bandas de Nueva Orleans, o en los bares ilegales de Chicago. Se tocaba música para que la gente bailara.

Musicalmente, el jazz se caracteriza por los ritmos sincopados, la insistencia rítmica y las improvisaciones. Ha influido tanto en la música culta como en la música popular moderna, especialmente en el Rock and Roll. Los estilos más importantes en la evolución del jazz son:
- Ragtime. Con predominio de la improvisación y del uso de los instrumentos de metal.
- Dixieland. El “jazz negro” tocado por músicos blancos.
-Chicago. Estilo que concede gran importancia a los solos improvisados.
- Swing. Este estilo supuso la comercialización del jazz, con grandes orquestas llamadas big bands con muchos instrumentos.
- Bebop. Significó el abandono de las tonalidades y de la cuadratura formal. La figura más importante dentro del bebop fue Miles Davis, trompetista, que posteriormente evolucionó hacia estilos distintos.
- Cool jazz. Introduce la atonalidad, la libertad formal y la discontinuidad rítmica.

Las últimas tendencias en el jazz son el free jazz, el electric jazz, el jazz funk, el latin jazz y el jazz flamenco.

Eric Clapton

Eric Patrick Clapton Shaw (Ripley, Surrey, Inglaterra, 30 de marzo de 1945) es un guitarrista, cantante y compositor de rock y blues, conocido por su maestría con la guitarra eléctrica, en específico con su Stratocaster. Es conocido por el apodo de "Slowhand" (Mano lenta), desde su época en The Yardbirds. Clapton es miembro del Salón de la Fama del Rock por partida triple; por ser miembro de The Yardbirs, de Cream y por su carrera en solitario. A la vista de muchos críticos Clapton ha sido uno de los artistas más respetados e influyentes de todos los tiempos. Además, aparece en el puesto número 4 de la lista "Los 100 grandes guitarristas de todos los tiempos" de la revista Rolling Stone y en el puesto número 53 de su especial "Inmortales: Los 100 grandes artistas de todos los tiempos".
Su estilo musical ha sufrido múltiples cambios a lo largo de su carrera, pero sus raíces siempre han estado profundamente ligadas con el blues. Es reconocido como un innovador en varias etapas de su carrera, practicando el blues rock con John Mayall's Bluesbreakers y The Yardbirds, y el rock psicodélico con Cream, además de haber tocado estilos muy diversos en su etapa en solitario; Delta blues en su álbum Me and Mr. Johnson, pop en su canción "Change the World" o reggae en su versión del tema de Bob Marley ("I shot the Sheriff"). Posiblemente su mayor éxito fue la canción "Layla" de su época con Derek and the Dominos.

El Mesias ( Haendel)

El Mesías es la obra más conocida de Georg Friedrich Händel, aunque no debe ser considerada como característica, ya que ocupa un lugar único dentro de la extraordinaria colección de oratorios handelianos. Mientras en los demás oratorios de Händel puede reconocerse una marcada influencia italiana, la música del Mesías se arraiga en las antiguas pasiones y cantatas alemanas.

La obra se compuso en Londres, en 1741, con una extraordinaria rapidez (tres semanas). La costumbre vincula esta obra a la Navidad, pero no hay que olvidar que este oratorio no sólo trata del nacimiento de Jesús, sino de toda su vida. Unos meses después de ser compuesta, la obra se estrenó en Irlanda, durante un viaje de Händel, pero el gran estreno no llegó hasta 1742, en el New Music Hall de Dublín para un concierto benéfico.

Fue el libretista Charles Jennens quien compuso el texto de la oratoria, formado tan solo por fragmentos bíblicos. Jennens presentó la obra como si fuese una ópera, dividiéndola en tres actos subdivididos en escenas.

La primera parte tiene por tema el Adviento y la Navidad. Se anuncia la venida de Cristo, por lo que nos encontramos con algunos momentos de exaltación marcados de una gran intensidad expresiva.

La segunda parte ilustra la Pasión, la Resurrección y la Ascensión finalizando con el famoso "Hallelujah". Así pues, la segunda parte, que había empezado en el dolor y la tristeza de la Pasión, se llena de júbilo con el "Hallelujah" arropado por el coro, trompetas y timbales. En la tercera, se relata la victoria de Cristo ante la muerte, el juicio final y la palabra "Amen", que corona la obra.

Exceptuando la "Sinfonía" inicial, a modo de obertura o introducción, y la "Pifa", que celebra el nacimiento de Cristo, ambas para orquesta, la obra es una sucesión de arias con algún arioso y algún duetto, recitativos y coros.

Se puede decir que la oratoria de Händel aun siendo sencilla, destaca por su monumentalidad en cuanto a duración y proporciones sonoras.

La flauta mágica (Mozart)

La flauta mágica fue la última ópera de Mozart. Esta fue escenificada en vida del compositor y fue estrenada en el Theater an der Wien de Viena, el 30 de septiembre de 1791 bajo la dirección del propio Mozart, apenas dos meses antes de su muerte. El singspiel es un tipo de ópera popular cantada en alemán, donde se intercalan partes habladas.
Se cree que Schikaneder pudo ser hermano de logia de Mozart. Fue el primero que interpretó a Papageno, mientras que el papel de la Reina de la Noche era interpretado por Josepha Hofer, cuñada de Mozart. Según muchos historiadores y críticos, podría haber influencias masónicas en la ópera, ya que se cree que Mozart perteneció a la masonería y en los momentos políticos que se vivían para el momento de su estreno, esta organización era considerada como peligrosa. Muchas de las ideas y motivos de la ópera recuerdan los de la filosofía de la Iluminación.
Actualmente La flauta mágica está presente de manera habitual en los repertorios de los teatros de ópera a nivel internacional. Su estatus como obra maestra de la ópera es incuestionable y ciertamente único dentro del más reducido ámbito del singspiel, donde no tiene comparación posible.
Algunas de sus melodías son muy familiares, como el dúo de Papageno y Papagena, o el aria de coloratura de la Reina de la Noche titulada Der Hölle Rache kocht in meinem Herzen.

Peer Gynt Suite No. 1, Op. 46: Edvard Grieg

Klaviersonate Nr.11: Wolfgang Amadeus Mozart

El Saxofón

El saxofón es un instrumento cónico de la familia de los instrumentos de viento madera, generalmente hecho de latón y consta de una boquilla con una única caña al igual que el clarinete. Fue inventado por el luthier Adolphe Sax en 1846.

Se compone de cinco partes: cuerpo, culata, pabellón, boquilla y pico. Las tres primeras están soldadas entre sí; la boquilla y el pico (salvo en el sopranino y en el soprano) son desmontables. La boquilla se fija en la parte superior del cuerpo y el pico en el extremo de la boquilla. En la parte inferior del pico está sujeta la lengüeta de caña. El cuerpo, la culata y el pabellón presentan varios agujeros que se obturan por medio de unos platillos accionados directamente con los dedos o con unas llaves. La boquilla también tiene su agujero y una llave, denominada llave de octava.

La familia del saxofón comprende: el sopranino en mi bemol, el soprano en si bemol, el contralto en mi bemol, el tenor en si bemol, el barítono en mi bemol, el bajo en si bemol y el contrabajo en mi bemol. Los dos últimos sólo tienen uso en bandas militares. El sopranino y el soprano se distinguen porque en general son rectos; los otros, en cambio, tienen un pabellón curvado en forma de pipa. La boquilla forma un ángulo con el cuerpo (en el tenor tiene forma de S). El más usado en la orquesta sinfónica es el contralto y, más raramente, el tenor, el barítono y el soprano.

Características fundamentales

-Extensión: la extensión total de los siete instrumentos que componen la familia del saxofón abarca cinco octavas y media.

Este instrumento posee una gran flexibilidad de matices y su timbre es penetrante, algo velado, dulce y sensual.

El registro grave es sonoro e intenso. A partir del re del registro medio, el sonido es más cálido e íntimo. A medida que asciende en el registro agudo, el sonido va empobreciéndose, perdiendo su timbre característico.

-Posibilidades técnicas: aunque el saxofón es un instrumento eminentemente lírico, su facilidad técnica es enorme, sobre todo en ligado, en que puede ejecutar cualquier tipo de escalas y arpegios a la misma velocidad que los más ágiles instrumentos de madera.

Genesis

Genesis es una banda Inglesa de rock formada en 1967. Con aproximadamente 150 millones de discos vendidos alrededor de todo el mundo, Génesis está entre los 30 artistas con discos más vendidos de todos los tiempos.
En 1988 la banda ganó un premio Grammy por el mejor concepto de video clip.
Los miembros de Génesis han incluido a Peter Gabriel, Mike Rutherford, Tony Banks, Steve Hackett, Ray Wilson y Phil Collins, quienes han alcanzado éxito también como solistas.
En 1968 firman con Decca y, con ayuda del productor Jonathan King, graban sus primeros dos temas, y un disco llamado 'Desde el Génesis al Apocalipsis' (Chris Stewart fue reemplazado en la batería por John Silver) pero generalmente no tuvieron éxito.
En 1970, la banda llamo la atención de Charisma, y con el productor John Anthony empezaron a trabajar en 'Trespass', un éxito de culto. Antes de reemplazar a Phillips y Mayhew por Phil Collins y Steve Hackett, la clásica línea de Genesis estaba en su lugar, la banda fue, en su primer y ahora legendario tour de1971, una colorida línea de extraño funcionamiento. Sin embargo fue con 'Foxtrot', que Génesis anotó su primer y más criticado éxito, seguido de “Vendiendo a Inglaterra por una libra” en 1973. Pronto se volvió el numero tres en los rankings del Reino Unido, dándole a la banda una gran reputación en América y también dándole su primer tema exitoso en el Reino Unido.
Un año después, Genesis (siendo en ese momento las estrellas de rock mas destacadas) lanzaron el primer concepto de un disco doble “The Lamb Lies Down on Broadway”. Este disco fue también el último hecho por la banda original de Genesis. En mayo de 1975, Peter Gabriel anuncia su retirada, y luego dos años después, Steve Hackett también se marcha para iniciar su carrera como solista.
En 1978 Collins, Banks y Rutherford se mueven de su rock de origen hacia un rock más suave, sonando como el tipo de rock que dominaría las tablas alrededor de todo el mundo en 1980. Se grabaron un gran número de discos durante este periodo, la mayoría de los cuales progresó exitosamente. Pero cuando en marzo de 1996, Phil Collins anunció de repente que iba a dejar la banda, la era Genesis finalmente terminó.

Motete

Canción coral de tipo religioso con textos en latín, de estilo polifónico. Tuvo un gran desarrollo en el Renacimiento, aunque su origen es medieval, del s. XIII. En ese momento se añaden mots («palabras» en francés) a la voz superior en melodías cantadas sin texto, con varias voces. A esta voz se la denominó motetus, y luego se extenderá este nombre para designar todo el canto. La voz inferior o cantus firmus se destinaba al tenor, que cantaba notas más largas en latín; las voces superiores cantaban en latín y otras lenguas, como el francés. En el s. XV, el motete es una pieza polifónica con texto en latín para tres, cuatro e incluso más voces, que adquieren paulatinamente el mismo ritmo, abandonando el cantus firmus. Se cantaba en la liturgia, pero no tenía un carácter obligatorio como las misas, los magnificats, los salmos y los himnos. Hacia el s. XVI, el estilo imitativo será la esencia del motete polifónico. Entre los grandes compositores de motetes destacaron Josquin des Prés, Lasso, Victoria y Palestrina. A comienzos del s. XVII, Giovanni Gabrielli y Monteverdi, componen motetes de tipo policoral con varios solistas y conjunto orquestal, que presentan mayor fuerza expresiva y dramática. En Inglaterra, el motete se llama anthem a partir de la Reforma religiosa de Enrique VIII. Byrd y Purcell sobresalieron en su composición. En Alemania, el motete luterano culmina en el s. XVII con Schütz, alumno del compositor del Barroco temprano Giovanni Gabrielli, quien lo acercó a las nuevas formas italianizantes, y Bach, en un estilo coral y contrapuntístico muy rico y elaborado. Bach escribió seis motetes para voces y bajo instrumental.

Diferencias entre Bach y Haendel

Bach (Johan Sebastian Bach) nació el 21 de marzo de 1685, en Eisenach, en una región de tradición luterana que prácticamente no abandonaría nunca y en una familia que contaba con diversas generaciones de músicos. Último heredero directo de la larga tradición polifónica que se remonta a la edad media y al renacimiento, Bach culminó igualmente el barroco musical, con fundamento en el bajo continuo y el estilo concertante. Su originalidad esencial consiste en encontrarse en la encrucijada de estos dos caminos y haber realizado, al más alto nivel, una síntesis única.
A la muerte de su padre, en 1695, se trasladó a Ohrdruf para reunirse con su hermano mayor Johann Christoph, organista y alumno de Pachelbel, quien le inició en la música. También estudió humanidades y su buena voz de soprano le permitió ingresar en el coro de la escuela de San Miguel de Lüneburg, donde prosiguió sus estudios y recibió la influencia de G. Bóhm, organista de San Juan. Después de una breve estancia en la corte de Weimar como violinista, fue nombrado organista de San Bonifacio en Arnstadt, donde escribió su primera cantata (1704). Emprendió un viaje a pie a Lubeck para mejorar su virtuosismo y aprovechar los consejos de una personalidad como Buxtehude.1707 fue nombrado organista de San Blas de Mühihausen y al año siguiente apareció la única de sus cantatas que se editaría en el transcurso de su vida (Gortt ist mein König}.
En junio de 1747, Bach fue admitido en la Sociedad Mizier, de Leipzig, sociedad que tenía por finalidad explorar los fundamentos racionales de la música. Cada nuevo miembro debía presentar su retrato; en 1746. Bach había posado para el pintor Elías Haussmann. Este retrato al óleo le muestra con un severo entorno de boca y una noble mirada., que se encuentra en el palacio deL cardenal Melchor de Polignac, construcción de un decorado barroco en el que compiten el oro, el azul y la púrpura.
La música religiosa protestante encontró en Alemania su patria de elección y su mayor maestro, fue Bach, no obstante, tuvo con frecuencia dificultades con las autoridades civiles y eclesiásticas, comunales y principescas. El retrato de Haussmann en Bach su franqueza y firmeza, aquella perfecta integridad, tanto en el arte como en la vida, que le hizo resistir a los poderes que amenazaban el libre desarrollo de su genio. También, hay que anotar que, en su tiempo, solo fue considerado más como un perfecto organista que como un gran compositor, a pesar de haber dejado más de sesenta enormes volúmenes de obras religiosas y profanas.
Juan Sebastián Bach se casó dos veces. Primero con su prima María Bárbara, que le dio siete hijos antes de morir (1720). Luego se casó con Ana Magdalena y con ella tuvo trece hijos. De los 20 hijos, sobrevivieron 10 y solo cuatro fueron compositores: Wilhelm Frieiedeman, Carl Philipp Emmanuel, Christoph Frierich y Johann Chritian.

Handel (Georg Friednch Haendel), nació en Halle, Sajonia, el mismo año que Bach,(1685-1759), nacionalizado inglés. Hijo de un barbero-cirujano del príncipe de Sajonia, fue alumno del organista y compositor F.W.Zachow, quien le dio un sólido conocimiento de la escritura polifónica. En 1703 abandonó sus estudios de derecho y viajó a Hamburgo, donde estrenó su primera ópera de tipo italiano (Almira, 1705).

Visitó diversas ciudades italianas, donde conoció a Corelli y Scarlatti, y obtuvo grandes éxitos como virtuoso del órgano y el clavecín. En 1710 fue nombrado maestro de capilla del elector de Hannover, puesto que dejó para trasladarse a Londres, donde obtuvo un gran éxito con su ópera Rinaldo, seguido por el de su Te Deum, compuesto para celebrar la paz de Utrecht, en 1713.

Entonces, fue considerado como un nuevo Purcell; además, fue favorecido por el elector de Hannover, convertido en rey de Inglaterra bajo el nombre de Jorge I, a quien dedicó su famosa Water Music. En 1719 fundó la Royal Academy of Music, de la cual fue director y para la que compuso unas quince óperas de estilo italiano, pero las autoridades religiosas - que se oponían a que se utilizaran temas bíblicos -y las intrigas de su rival Bonancini, en 1728, obligaron a la disolución de la Academy of Music.

Estas circunstancias llevaron Haendel a tomar la decisión de componer exclusivamente oratorios; compuso un total de 32, el más famoso de todos El Mesías, pero también hay que mencionar, entre otros, los oratorios titulados Esther, Saúl, Israel en Egipto, Sanson y Judas Macabeo. La primera interpretación de su "Mesías", en Dublín, en 1742, le valió el triunfo y la gloria definitivos.
A su muerte, en 1759 y en su condición de ciudadano británico, Haendel, fue enterrado en la Abadía de Wesminster

Evolución de la Notación Musical

No siempre se pudo escribir música. Lo que hoy conocemos como la música de los tiempos del Imperio Romano, o de los egipcios... no son más que suposiciones basadas en los instrumentos musicales que se conservan de la época y las notas que podían emitir y teorías sobre la evolución de la música popular en esos países.
Los sistemas para plasmar la música en papel comienzan a desarrollarse de forma notable durante la Edad Media, aunque ya existían precedentes de escritura musical de la época de la Grecia clásica.
Así aparece el sistema neumático, basado en dibujar los signos a mayor altura cuanto más agudos y a mmenor cuanto más graves.
Los neuas eran signos elementales que se colocaban sobre cada sílaba del texto y servían de guía para recordar la melodía que debía ser cantada perteneciente a un repertorio conocido de antemano.
Los cuatro neumas elementales son: punctum , virga , clivis , podatus
Los neumas no indicaban ni la altura relativa del sonido ni el ritmo de la melodía, sino que monstraban el sentido o la dirección que debía tener la línea melódica. (Por ejemplo: la virga indica ascenso hacia el agudo, el punctum, el descenso hacia el grave, el clivis un ascenso seguido de un descenso, etc.)

Pero la inexactitud de este metodo forzó la aparición de una línea de referencia que representaba una determinada nota y las demás se situaban a mayor o menor distancia en relación a esta.

El principal valedor de este sistema fue el monje italiano Guido de Arezzo, que vivió en el siglo XI e introdujo cuatro líneas en lugar de una, además, fue quien dio nombre a las notas musicales, tomando las primeras sílabas de la letra de un himno religioso muy popular en la época: UT queant laxis REsonare fibris MIra gestorum FAmuli tuorum SOLve polluti
LAbii reatum

En el siglo XVI se añadió la sílaba "si" para dicha nota y en a partir del XVIII se sustituirá "ut" por "do" y se añade una quinta línea, quedando fijada de esta forma la notación musical (pentagrama significa cinco líneas en griego).

La aparición de la partitura supuso un progreso decisivo en la escritura musical: con la indicación de la altura de los sonidos será posible "leer" la música, aligerar la memoria, y facilitar el aprendizaje de los cantos.

A Guido D´Arezzo se le debe también, el haber dado nombre a las seis primeras notas de la escala – ut, re, mi, fa, sol, la -, basándose en las primeras sílabas de los versos de un himno del siglo VIII, dedicado a San Juan Bautista. Los seis primeros versos dan el nombre a las notas, la melodía de Guido daba a la primera sílaba de cada verso un sonido diferente, que coincidía con los sonidos de la escala. Con el tiempo la primera sílaba se cambió por Do y se añadió el Si uniendo la "S" y la "I" de los dos últimos versos.
La nomenclatura de las notas que convive con esta en la actualidad y que se usa principalmente en los países anglosajones es el sistema alfabético, en el que:
A=La, B=Si, C=Do, D=Re, E=Mi, F=Fa y G=Sol

Apareció igualmente durante la Edad Media y se añadían pares de letras para ir marcando las diferentes octavas (algo ya en desuso).

GREASE

Dirigida por Randal Kleiser fue estrenada en 1978 con gran furor. Este musical tuvo un gran existo ya que fue protagonizada por el ahora famoso John Travolta y Olivia Newton-John.

En esta película John Travolta interpreta a Danny, el arrogante jefe de una pandilla de adolescentes de los años 50. Todos le conocen como un tipo duro e implacable con las chicas. Cuando regresa de sus vacaciones de verano y se reúne con sus amigos en el instituto, continúa siendo el mismo. Todo cambia cuando Sandy (Olivia Newton-John) le reconoce como su amor del verano. Pero él se hace el loco, aunque sigue enamorado de ella. Sandy se integrará en una pandilla de chicas de armas tomar, y de esta manera se enfrentará a la altanería de Danny.

Una de las películas musicales míticas. John Travolta se presenta en plenas facultades, y es un derroche de energía y magnetismo. La debutante Olivia Newton-John, una estrella de la canción por entonces, realiza un atractivo papel como la ingenua enamorada de Travolta. Las canciones son excelentes, y no pierden su ritmo y su frescura con el paso de los años. Las coreografías son magníficas. Un homenaje a la época dorada del verdadero rock and roll. Nadie debe perdérsela.

Dover- Serenade

The Ramones

Pioneros y líderes del naciente punk rock, cimentaron las bases de este género musical con composiciones simples, minimalistas y repetitivas y letras muy simples o incluso sin sentido, en clara oposición a la pomposidad y la fastuosidad de las bandas que triunfaban en el mercado de los años 70: los largos solos de guitarra, las complejas canciones de rock progresivo y sus enigmáticas letras. Su sonido se caracteriza por ser rápido y directo, con influencias del rockabilly de los años 1950.
The Ramones lideró la primera ola del punk en Nueva York sirvió de inspiración para la gran mayoría de las bandas de punk surgidas en la década de los 70, siendo una de las bandas más importantes de la historia del rock. Su influencia se percibe en casi todas las formaciones de punk posteriores.
Algunas de sus míticas canciones son:

Recursos musicales

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The Chieftains

The Chieftains es una banda irlandesa de música tradicional, fundada en 1963, año de la grabación de su primer LP titulado simplemente The Chieftains. Su composición inicial fue Paddy Moloney (gaita irlandesa), Martin Fay (violín y huesos, instrumento de percusión tradicional), Seán Potts (whistle) y David Fallon (bodhrán). Todos ellos eran músicos procedentes de Ceoltóirí Cualann, la orquesta de Seán O'Ríada y de la escena de pubs de Dublín. El éxito de la formación exclusivamente instrumental fue una sorpresa, ya que la emergente escena folk irlandesa se nutría principalmente de los aportes que los cantantes de grupos como The Dubliners o The Clancy Brothers realizaban.
La formación publicó su segundo disco, The Chieftains 2, en 1969 con algunos cambios: Seán Keane se incorporó como violinista y Peadar Mercier reemplazó a David Fallon en el bodhrán. El año 1971, en que su tercer disco The Chieftains 3 salió al mercado supuso el despegue de la banda y el reconocimiento a su estilo, fuertemente tradicional pero con innovaciones enriquecedoras. La banda tocó por primera vez en los Estados Unidos de América en 1972, a lo que siguieron varias giras en 1973 y 1974.
Sus componentes: Seán Keane, Martín Fay, Derek Bell, Matt Molloy, Kevin Conneff y Paddy Moloney han realizado en el grupo treinta y tres grabaciones, a parte de las realizadas por cada uno por separado. El grupo también ha realizado proyectos para revitalizar el folclore Irlandés aunque últimamente el grupo ha intentado llevar su música hacia una fusión con la música de otros artistas como pueden ser The Corrs, Mark Knopfler, Mick Jagger, Sting, Carlos Núñez, Sinéad O'Connor, Kepa Junkera o Ry Cooder. Varios de sus trabajos más importantes son "An irish Evening", "The celtic harp", "The long black veil" y "Santiago"

El arpa irlandesa

El arpa es reconocida como un símbolo de Irlanda ya desde el siglo XIII, y su primera aparición en las acuñaciones monetarias anglo-irlandesas data de 1536, durante el reinado de Enrique VIII, apareciendo como el tercer cuarto del escudo de armas real del Reino Unido.

Desde el siglo VIII hay rastros de su existencia y parece ser que los arpístas estaban especialmente bien considerados en la Corte de forma que incluso algunos Reyes fueron músicos relevantes. En el Trinity College podréis admirar una de las más antiguas que se conservan hoy en día, datada entre los siglos XIV y XV, llamada Brian Boru harp precisamente en honor al más afamado Rey arpísta medieval.

El arpa fue escogida como el emblema estatal tras el establecimiento del Estado Libre de Irlanda, y una de sus primeras aplicaciones fue en el Gran Sello del Estado Libre de Irlanda, y siguió siendo el emblema estatal después de que se adoptara la Constitución de Irlanda.

La imagen del arpa es utilizada en las acuñaciones monetarias, pasaportes y otros documentos oficiales estatales, así como en los emblemas del Presidente, el Taoiseach, el Tánaiste y los Ministros del Gobierno y otros cargos oficiales. El arpa de las monedas acuñadas en 1928 está basada en el arpa de Galway y en la del Trinity College, mientras que una versión mucho más modificada se introdujo en la acuñación de 1939, que es la que subsiste hoy día en las monedas de euro de Irlanda.

J.S.Bach

(Eisenach, Turingia, 21 de marzo de 1685 – Leipzig, 28 de julio de 1750) Johann Sebastian Bach nació en Eisenach, Alemania, el 21 de marzo de 1685, formando parte de una familia turingia en la que muchos de sus miembros fueron músicos. Fue un organista y compositor alemán de música del Barroco, miembro de una de las familias de músicos más extraordinarias de la historia (con más de 35 compositores famosos y muchos intérpretes destacados).
Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda Europa. Aparte del órgano y del clavecín, también tocaba el violín y la viola de gamba, además de ser el primer gran improvisador de la música de renombre.
Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca y una de las cimas de la música universal y del pensamiento musical occidental, epicentro de la música occidental, y uno de los grandes pilares de la cultura universal, no sólo por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, sino también por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es el último gran maestro del arte del contrapunto, y su máximo exponente, donde es la fuente de inspiración e influencia para posteriores compositores y músicos desde Mozart pasando por Schoenberg, hasta nuestros días.
Sus obras más importantes están entre las más destacadas y trascendentales de la música clásica y de la música universal. Entre ellas cabe mencionar los Conciertos de Brandeburgo, el Clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pasión según San Mateo, El arte de la fuga, La ofrenda musical, las Variaciones Goldberg, la Tocata y fuga en re menor, las Cantatas sacras 80, 140 y 147, el Concierto italiano, la Obertura francesa, las Suites para violonchelo solo, las partitas y sonatas para violín solo y las suites orquestales.

Elvis Presley

(Tupelo, EE UU, 1935 - Memphis, id., 1977) Cantante de rock and roll y actor estadounidense. Nacido en el seno de una familia modesta, el joven Elvis Presley se vio obligado a trabajar desde muy temprana edad. A los once años, y ante su insistencia, sus padres le regalaron su primera guitarra.

En 1948, su familia se trasladó a Memphis, uno de los centros de la actividad musical del país. Cuando Elvis contaba apenas diecinueve años, el productor Sam Phillips, propietario de Sun Records, decidió editarle un single que contenía los temas That’s all right y Blue Moon of Kentucky. Este primer intento le abrió las puertas de un programa radiofónico de música country, Louisiana Hayride, con un abanico de emisión que comprendía trece estados.

En 1955, con su popularidad en aumento, Elvis Presley fichó por la discográfica RCA. El de 1956 fue un año clave para la trayectoria de Elvis, gracias al tema Heartbreak Hotel, del cual vendió trescientos mil ejemplares en tres semanas y acabó siendo el primero de sus discos de oro. También editó su primer elepé, titulado Elvis Presley, que alcanzó el millón de copias vendidas, y se comprometió por siete años con los estudios cinematográficos Paramount, ávidos de contratar a un ídolo juvenil emergente que ya por aquel entonces provocaba ataques de histeria entre las asistentes a sus conciertos. Elvis Presley se licenció en marzo de 1960 e inmediatamente reanudó su actividad artística, para encadenar una larga serie de números uno en las listas estadounidenses con títulos como It’s now or never o Are you lonesome tonight? y protagonizar no menos de diez películas, entre las que cabe citar Chicas, chicas, chicas (Girls, girls, girls, 1962) y Viva Las Vegas (1964). Pero en la segunda mitad de la década comenzó la «invasión británica» que protagonizaron grupos como The Beatles y que conllevó cierta erosión en la popularidad del cantante, agravada por una aparente crisis artística que se prolongó hasta 1968, aunque cuando se le ofreció protagonizar un especial televisivo, que se convirtió en uno de los mayores éxitos de la historia de la pequeña pantalla.

Bob Seger

El duro rockero Bob Seger fue uno de los músicos más populares del centro del país en los 70's y principios de los 80's. Seger hizo su debut en 1961, pero no fue hasta 1966 cuando lanzó su primer single titulado “East Side Store”.
Bobm Seger crece en Detroit. En 1966 empieza a grabar como Bob Seger & Last Heard, consiguiendo algunos éxitos locales y buenas críticas.
Edita su primer LP en 1969: "Ramblin' Gamblin' man", pero poco después abandona eventualmente la música para estudiar.
En 1971 ya está actuando de nuevo, pero no comienza a obtener resultados hasta que crea tras él a una formación fija: The Silver Bullet Band, con los que graba "Beautiful Loser" en 1975.
La llave del éxito definitivo es su L'P en directo "Live Bullet" en 1976, y ese mismo año edita otro álbum con material nuevo: "Night Moves", con el que conseguirá un disco de platino. Los siguientes discos aún superan progresivamente sus ventas: "Stranger in town", "Against the wind" son ya triple platino.
"Nite Tonight" es un nuevo disco en directo que les sirve para reponer fuerzas de cara a la creación de su obra más completa "The distance", que contiene su single "Shame on the moon" con el que alcanza el nº 2 en EE.UU..
Su siguiente disco "Like a rock", tendrá buenos resultados como los anteriores y, por primera vez, Seger comparte las labores de composición con otra persona, Croig Frost.
En 1987 interpreta un tema de Keith Forsey , "Shake Down", en la banda sonora de Beverlly Hills Cop II (superdetective en Hollywood II),con el que consigue su primer nº 1 en Estados Unidos.

Dimitri Tiomkin

DIMITRI TIOMKIN (1899-1979): Compositor ruso de música clásica, quedó fascinado tras su llegada a los Estados Unidos por el jazz y la comedia musical, lo que le influiría decisivamente. Fue el compositor por excelencia del western.
Nació en Ucrania bajo el dominio de la antigua Rusia zarista, pero se trasladó desde muy niño a San Petersburgo y fue considerado uno de los grandes niños prodigios. Tras la revolución rusa se traslada a Berlín, donde sigue su carrera meteórica. Años más tarde se traslada a Nueva York y finalmente tras el crack del 29 a Hollywood.
Si su nombre no resulta conocido, su música y canciones son más conocidas, principalmente High noon la canción de Sólo ante el peligro o O.K. Corral de Duelo de titanes.
Durante los años de la Segunda guerra mundial colaboró poniendo música, a una infinidad de documentales bélicos sobre el conflicto.
En uno de los oscar que consiguió, en el pequeño discurso que sigue a la recogida del premio tuvo unas palabras y agradecimiento a todos sus colaboradores: Mozart, Bach,..... Fue nominado en 15 ocasiones al oscar y ganándolo 3 veces por Sólo ante el peligro (1952), The high and the mighty (1954) y El viejo y el mar (1958).