The Rollings Stones

The Rolling Stones es una banda británica de rock que, junto a The Beatles, con los que siempre rivalizó en popularidad, sirvió como punta de lanza de la llamada invasión británica que se produjo en los primeros años de la década de 1960.

La banda fue fundada en Londres en 1962 por el multi-instrumentista Brian Jones, el cantante Mick Jagger, el guitarrista Keith Richards, el pianista Ian Stewart, el baterista Charlie Watts y el bajista Bill Wyman.
Sus primeras producciones incluían versiones y composiciones influenciadas en el blues, rock and roll y R&B norteamericano de Robert Johnson, Chuck Berry, Bo Diddley y Muddy Waters. Mientras fueron avanzando en su carrera le adicionaron toques de los géneros dominantes del momento, como en su tiempo lo fueron la música psicodélica, el country, la música disco, el reggae y la música electrónica. En 1965 lanzaron el sencillo "(I Can't Get No) Satisfaction", que los catapultó al estrellato internacional y los estableció como una de las bandas más populares en la escena musical de su época.[5] Algunas de sus producciones están consideradas entre las mejores de todos los tiempos por la crítica,[6] [7] [8] [9] entre los que destacan Beggars Banquet (1968), Let It Bleed (1969), Sticky Fingers (1971) y su considerada obra máxima Exile on Main St. (1972).
En 1989, fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll, y en 2004 puestos en el cuarto lugar por la revista estadounidense Rolling Stone en la lista de Los Inmortales: los 100 artistas más grandes de todos los tiempos. Son considerados una de las más grandes e influyentes bandas de la historia del rock junto a otras como Pink Floyd, Led Zeppelin, The Beatles, Queen o The Who. Ningún grupo de rock hasta la fecha ha sostenido tan duradera y todavía mundialmente reconocida trayectoria como The Rolling Stonesa, asociación formada por Jagger, Richards y Watts (únicos miembros fundadores en la banda) continúa siendo la más larga en la historia del rock.

Tom Waits

Nació el 7 de diciembre de 1949 en un taxi aparcado delante del Murphy Hospital, Pamona, California, USA. Definido como un cineasta; posee narrativa, describe situaciones, combina géneros, escenifica historias; se podría asegurar que Tom Waits es un catálogo de música americana. Sus influencias fueron el Jazz, blues, gospel. Fue empleado de joyería, vendedor de helados, ayudante de cocinero, bombero voluntario y portero de hotel entre otros trabajos. Solía grabar en cintas todo lo que le rodeaba; conversaciones en bares, sonidos de la calle, etc. Según describe, en esas grabaciones encontraba las letras para sus canciones. Cuando tenía veinte años se ganaba la vida tocando el piano y el acordeón en modestos locales de Los Angeles. Sus primeros discos aparecieron entre 1973 y 1975 -Closing Time, Heart Of Saturday Night y el doble en directo Nighthawks At The Diner-. Los Eagles interpretaron con éxito, Ol '55, una de las canciones de su primer disco. En octubre de 1977, Bette Midler colaboró con él en Foreign Affairs. En 1978 hizo su debut como actor, junto a Sylvester Stallone, en Paradise Alley. Posteriormente actuaría en películas como The Outsiders y The Cotton Club, de Francis Ford Coppola. También compuso bandas sonoras como One From The Heart (Francis Ford Coppola, 1982), por la que fue nominado para el Oscar. Publica a continuación discos como Swordfishtrombones o Raindogs que lo presentan todavía más marginal, pero igualmente aclamado por la crítica especializada. Sacó Bone Machine (1992), que consiguió un Grammy en la categoría de música alternativa.

Bruce Springsteen

Bruce Frederick Joseph Springsteen nació el 23 de septiembre de 1949 en Freehold, una pequeña localidad de New Jersey. Los padres, Adela Dutch y Douglas Springsteen, de origen italiano e irlandés respectivamente, pertenecían a una familia humilde y trabajadora.
Bruce, según el mismo cuenta, “pase dieciocho años de mi vida en un pueblecito de New Jersey, en la puerta de al lado de una gasolinera, la de Ducky Slattery. En los pueblos pequeños la gente, niños y ancianos, tenían la costumbre de sentarse alrededor de las gasolineras”.
Para mantener a la familia, el padre se vio obligado a cambiar frecuentemente de trabajo: en fábricas, conductor de autobuses, jardinero,...
En julio de 1981, la revista Vibraciones publicaba una entrevista que dio Springsteen al terminar el concierto de Barcelona, en la que recordaba: “crecí en un pequeño pueblo de 10.000 habitantes, y a medida que me hacía mayor veía a la gente que me rodeaba, y me parecía como si nadie fuese a ninguna parte. Empecé a mirar hacia atrás y me di cuenta de que mi padre y mi abuelo habían trabajado toda su vida en una fábrica, y que las cosas no iban a ser muy diferentes para mí a no ser que hiciera algo al respecto”.
Un día de 1958, viendo el programa de televisión The Ed Sullivan Show, se quedo estupefacto con un tipo al que las cámaras sólo le enfocaban de cintura para arriba, tratando de evitar los escandalosos movimientos de su pelvis: “tenía 9 años y no podía imaginar que alguien no quisiera ser como Elvis. Si no te gustaba el Rey, para mí eras un anormal”.
Así nació esa pasión por la música y principalmente por la guitarra.
Unos días después entro en una casa de empeños y vio “la cosa más bonita que nunca tuve delante. Ella estaba ahí: una guitarra. Me costó dieciocho dólares, y cuando salí de la tienda ya tenía lo único que necesitaba en este mundo”.
A Bruce le había dado muy fuerte con la música y sus padres trataron de quitarle esta idea, aunque no lo consiguieron. Él quería aprender a tocar. Sus maestros preferidos en esos momentos eran: Chuck Berry, los Beatles y por supuesto, Elvis Presley. También le gustaba Eric Burdon, los Rolling Stones y Sam Cooke, entre otros.
En 1965 conoció a Tex Vinyard y a un amigo de éste, George Thies. Juntos formaron el primer grupo de la historia de Bruce: The Castles. Mas tarde se integraron otros cuatro músicos, y Springsteen se transformó en el guitarra solista del grupo. Su presentación en público fue en el West Haven Swim Club.
The Castles se disolvió en 1967 ya que la experiencia no fue muy positiva. Posteriormente fueron varios los grupos creados con una breve duración; Earth fue el nombre de la siguiente banda, en 1968 la formación Child, Still Mill con los mismos músicos se crea en 1969 y finalmente la Bruce Springsteen Band con la que consigue su primer contrato discográfico con la CBS en 1972.
A partir de esta fecha podríamos decir que se esta gestando la que será la banda que acompañará a Bruce, la E Street Band.

El rock sinfónico

El rock sinfónico es un estilo musical surgido a partir de mediados de los sesenta que pretende explorar nuevos caminos musicales, mediante la combinación creativa de elementos de la música docta (o mal llamada musica "Clasica"), la psicodelia y el hard rock.

En el rock sinfónico se suele plantear la concepción de la obra musical como un todo coherente (el álbum o disco conceptual), en vez de como un conjunto de temas sueltos. Los primeros discos conceptuales, como Sgt. Pepper's Lonely Hearts' Club Band, de los Beatles, o Days of a future passed, de Moody Blues, son ciclos de canciones relativamente breves, que desarrollan una historia. Dando un paso más, bandas de los 70 como Pink Floyd, Mike Oldfield, King Crimson, Jethro Tull, Genesis, Emerson, Lake and Palmer o Yes se lanzan a la creación de obras épicas como Supper's Ready, Tubular Bells o Thick as a brick, una suerte de sinfonías rock, que a menudo se extienden durante toda una cara (o las dos) de un LP.

Van Morrison

George Ivan Morrison, más conocido como Van Morrison, nació el 31 de agosto de 1945 en la ciudad irlandesa de Belfast. Su madre era cantante y su padre, también muy aficionado a la música, tenía por pasión coleccionar discos. Así fue como Van Morrison fue introduciéndose en estilos como el jazz, blues y folk.
En 1963 Van Morrison, junto a otros músicos de los Monarchs y otros de la banda The Gamblers, forma el grupo Them. Juntos grabarían dos estupendos discos bajo la producción de Bert Berns. No obstante, las tensiones entre Van Morrison y Berns forzaron la salida de Van Morrison de los Them. A pesar de ellos, el cantante y productor se reconciliaron brevemente para publicar un sencillo titulado "Brown eyed girl". Tras la muerte de Berns unos meses después, Van Morrison entra en una nueva etapa musical, dotándose de un estilo más intimista y con un sonido más exquisito, menos enérgico que el que poseía con los Them.
En la década de los setenta Van Morrison se traslada a Estados Unidos, donde grabaría discos de la talla de "His Band and the Street Choir", "Tupelo Honey", o "Saint Dominic’s Preview", un álbum con toques de soul aparecido en 1972.Estos son algunos de sus otros discos:
En 1973, publica el álbum "Hard nose the highway".
En 1974 publica "Veedon fleece", un álbum sensiblero pero de gran calidad, que marcaría el inicio del declive de Van Morrison.
En la década de los ochenta se ajustó a su perfil, siendo fiel a su estilo musical, publicando discos como "Common One" (1980), "Beautiful Vision" (1982) o "No guru, no method, no teacher" (1986), "Irish Heartbeat" (1988) o "Avalon Sunset" (1989).
En 2005 Van Morrsion publica el álbum titulado "Magic time".
Em 2009, Van Morrison publica "Astral weeks live at the Hollywood", una grabación en directo que revisa el mítico Astral Weeks.

Edvard Grieg

Edvard Grieg fue un famoso compositor noruego. Fue el más importante de su país durante el siglo XIX. Nació en Bergen el 15 de junio de 1843. Estudió piano con su madre, pianista profesional, y más tarde en el conservatorio de Leipzig. Fue el compositor danés Niels Gade quien le animó en la labor de componer. El noruego Rikard Nordraak despertó su interés por la música folclórica noruega. Con él, dijo, "aprendí a conocer los cantos del norte y mi propia naturaleza". Entre 1866 y 1876 Grieg vivió en Cristianía (hoy día Oslo), donde fue profesor de música y director de la Sociedad Filarmónica. En 1867 contrajo matrimonio con su prima, la soprano Nina Hagerup. Su defensa de la escuela basada en la música folclórica noruega originó el enfrentamiento con músicos conservadores y críticos, por lo que sus propias obras tardaron en ser apreciadas.
El primer músico de talla internacional que alabó su trabajo fue el compositor húngaro Franz Liszt. En 1874 el gobierno noruego le concedió un salario anual que le permitió dedicarse por entero a la composición. Se hizo famoso por su música incidental para el drama poético Peer Gynt (1875), de Henrik Ibsen. En 1885 se aisló en un estudio de Lofthus y en 1885 mandó construir la villa Troldhaugen, cerca de Bergen, donde vivió el resto de sus días. Murió el 4 de septiembre de 1907.
Aunque su música está influida por la de los compositores románticos, especialmente Robert Schumann y Frédéric Chopin, Grieg adaptó sus propias melodías basándose en el estilo del folclore noruego y fue el maestro de los fundamentos armónicos que evocan la atmósfera de su tierra. De su producción musical destacan Heridas de corazón, La última primavera (inspiradas en un poema noruego), y la suite En tiempos de Holberg, para orquesta de cuerda; El retorno al país y Olav Trygvason, para coro y orquesta, un cuarteto de cuerda y numerosas obras para piano, entre ellas una balada en sol menor y el famoso Concierto para piano y orquesta en la menor. Sus canciones han tenido una especial difusión.

La Zarzuela

La zarzuela es una forma de música teatral o género musical escénico surgido en España con partes instrumentales, partes vocales (solos, dúos, coros...) y partes habladas. Se diferencia de la ópera en que la zarzuela está cantada en español, e incluye partes habladas en lugar de los recitativos cantados de la ópera. Se cultivó también en Cuba y Venezuela, donde destacaron los compositores Ernesto Lecuona y José Ángel Montero respectivamente.

• Historia
  

Parece que los primeros autores que aportaron su genio a este nuevo estilo de teatro musical fueron Lope de Vega y Calderón de la Barca. Según las investigaciones, Calderón es el primer dramaturgo que adopta el término de zarzuela para una obra suya titulada El golfo de las sirenas (1657). El auge de la zarzuela llegó, en el siglo XIX, a partir de 1839, con los músicos Francisco Barbieri y Emilio Arrieta. Muchas veces el éxito de la obra se debía a una o más canciones que el público aprende y da a conocer oralmente, como ocurría con los cuplés. El engranaje de la obra siguió siendo el mismo: números hablados, cantados, coros, que se aderezan con escenas cómicas que, generalmente, son interpretadas por un dúo. Abundaba el género costumbrista y regionalista y en los libretos se recogía toda clase de modismos, regionalismos y jerga popular. En los primeros años del siglo XX, se componen obras de mayor calidad musical como "Doña Francisquita" de Amadeo Vives o, un poco antes Gigantes y Cabezudos)[1] 1898", del maestro Fernández Caballero que supo ganarse muy bien a la crítica componiendo una obra muy del "gusto popular".

Luigi Boccherini

Luigi Boccherini (Lucca, actual Italia, 1743-Madrid, 1805) fue un famoso compositor y violoncelista italiano.
Dentro del período clásico, Luigi Boccherini es siempre el gran olvidado, a pesar de la estima que le profesaron músicos como Franz Joseph Haydn, quien reconocía su singular aportación al desarrollo de la música de cámara. Formado en su ciudad natal como violoncelista, instrumento poco considerado entonces, en 1768 se trasladó a París, donde recibió la oferta de entrar al servicio de la corte española como músico de cámara del infante don Luis. Establecido en Madrid, prosiguió su labor creadora, dando a la imprenta algunas de sus obras más célebres, como las basadas en motivos españoles, y en especial el Quintettino Op. 30 n.º 6 «La musica notturna di Madrid»
(1780) o el Quinteto de cuerda Op. 50 n.º 2 «Del Fandango» (1788). Durante sus últimos años hubo de ver cómo su música y su persona caían en el olvido. Autor prolífico, se le deben un Stabat Mater (1781), 26 sinfonías, entre las que destaca la subtitulada La casa del diablo, 125 quintetos y 91 cuartetos.

Louis Armstrong

Louis Armstrong (Nueva Orleans, 4 de agosto de 1901 – 6 de julio de 1971), también conocido como Satchmo y Pops, fue un trompetista y cantante estadounidense de jazz.
Se trata de una de las figuras más carismáticas e innovadoras de la historia del jazz y, probablemente, su músico más popular. Aquí una de sus canciones: "When The Saints Go Marching In"

Jazz: origen y evolución

El jazz es, por encima de cualquier otra cosa, improvisación, vida, expresividad, evolución constante. El verdadero jazz se encuentra en el Mississippi: brota de las manos del pianista de algún bar, o en medio de los miembros de una banda de músicos que tocan por las calles de Chicago. El jazz es también la melodía que brota de un clarinete o de un saxo, que exalta la vida, y es también una oración a Dios.

• Un nacimiento original

El jazz es un estilo musical surgido en Nueva Orleans (Estados Unidos) hacia 1850. Sus orígenes se remontan a los cantos de los esclavos negros de las plantaciones de algodón (Spiritual songs o “canciones espirituales”), al blues y al gospel: las canciones de los afroamericanos convertidos al protestantismo.
Se podría decir que el jazz es, sobre todo, música para ser escuchada con los pies. De hecho, ya lo dijo un director de orquesta norteamericano, John Philip Sousa:
"El jazz perdurará mientras la gente lo escuche con los pies y no con la cabeza."
Y este es el entorno en el que se desarrolla la música jazz durante los años 30, con las bandas de Nueva Orleans, o en los bares ilegales de Chicago. Se tocaba música para que la gente bailara.

Musicalmente, el jazz se caracteriza por los ritmos sincopados, la insistencia rítmica y las improvisaciones. Ha influido tanto en la música culta como en la música popular moderna, especialmente en el Rock and Roll. Los estilos más importantes en la evolución del jazz son:
- Ragtime. Con predominio de la improvisación y del uso de los instrumentos de metal.
- Dixieland. El “jazz negro” tocado por músicos blancos.
-Chicago. Estilo que concede gran importancia a los solos improvisados.
- Swing. Este estilo supuso la comercialización del jazz, con grandes orquestas llamadas big bands con muchos instrumentos.
- Bebop. Significó el abandono de las tonalidades y de la cuadratura formal. La figura más importante dentro del bebop fue Miles Davis, trompetista, que posteriormente evolucionó hacia estilos distintos.
- Cool jazz. Introduce la atonalidad, la libertad formal y la discontinuidad rítmica.

Las últimas tendencias en el jazz son el free jazz, el electric jazz, el jazz funk, el latin jazz y el jazz flamenco.

Eric Clapton

Eric Patrick Clapton Shaw (Ripley, Surrey, Inglaterra, 30 de marzo de 1945) es un guitarrista, cantante y compositor de rock y blues, conocido por su maestría con la guitarra eléctrica, en específico con su Stratocaster. Es conocido por el apodo de "Slowhand" (Mano lenta), desde su época en The Yardbirds. Clapton es miembro del Salón de la Fama del Rock por partida triple; por ser miembro de The Yardbirs, de Cream y por su carrera en solitario. A la vista de muchos críticos Clapton ha sido uno de los artistas más respetados e influyentes de todos los tiempos. Además, aparece en el puesto número 4 de la lista "Los 100 grandes guitarristas de todos los tiempos" de la revista Rolling Stone y en el puesto número 53 de su especial "Inmortales: Los 100 grandes artistas de todos los tiempos".
Su estilo musical ha sufrido múltiples cambios a lo largo de su carrera, pero sus raíces siempre han estado profundamente ligadas con el blues. Es reconocido como un innovador en varias etapas de su carrera, practicando el blues rock con John Mayall's Bluesbreakers y The Yardbirds, y el rock psicodélico con Cream, además de haber tocado estilos muy diversos en su etapa en solitario; Delta blues en su álbum Me and Mr. Johnson, pop en su canción "Change the World" o reggae en su versión del tema de Bob Marley ("I shot the Sheriff"). Posiblemente su mayor éxito fue la canción "Layla" de su época con Derek and the Dominos.

El Mesias ( Haendel)

El Mesías es la obra más conocida de Georg Friedrich Händel, aunque no debe ser considerada como característica, ya que ocupa un lugar único dentro de la extraordinaria colección de oratorios handelianos. Mientras en los demás oratorios de Händel puede reconocerse una marcada influencia italiana, la música del Mesías se arraiga en las antiguas pasiones y cantatas alemanas.

La obra se compuso en Londres, en 1741, con una extraordinaria rapidez (tres semanas). La costumbre vincula esta obra a la Navidad, pero no hay que olvidar que este oratorio no sólo trata del nacimiento de Jesús, sino de toda su vida. Unos meses después de ser compuesta, la obra se estrenó en Irlanda, durante un viaje de Händel, pero el gran estreno no llegó hasta 1742, en el New Music Hall de Dublín para un concierto benéfico.

Fue el libretista Charles Jennens quien compuso el texto de la oratoria, formado tan solo por fragmentos bíblicos. Jennens presentó la obra como si fuese una ópera, dividiéndola en tres actos subdivididos en escenas.

La primera parte tiene por tema el Adviento y la Navidad. Se anuncia la venida de Cristo, por lo que nos encontramos con algunos momentos de exaltación marcados de una gran intensidad expresiva.

La segunda parte ilustra la Pasión, la Resurrección y la Ascensión finalizando con el famoso "Hallelujah". Así pues, la segunda parte, que había empezado en el dolor y la tristeza de la Pasión, se llena de júbilo con el "Hallelujah" arropado por el coro, trompetas y timbales. En la tercera, se relata la victoria de Cristo ante la muerte, el juicio final y la palabra "Amen", que corona la obra.

Exceptuando la "Sinfonía" inicial, a modo de obertura o introducción, y la "Pifa", que celebra el nacimiento de Cristo, ambas para orquesta, la obra es una sucesión de arias con algún arioso y algún duetto, recitativos y coros.

Se puede decir que la oratoria de Händel aun siendo sencilla, destaca por su monumentalidad en cuanto a duración y proporciones sonoras.

La flauta mágica (Mozart)

La flauta mágica fue la última ópera de Mozart. Esta fue escenificada en vida del compositor y fue estrenada en el Theater an der Wien de Viena, el 30 de septiembre de 1791 bajo la dirección del propio Mozart, apenas dos meses antes de su muerte. El singspiel es un tipo de ópera popular cantada en alemán, donde se intercalan partes habladas.
Se cree que Schikaneder pudo ser hermano de logia de Mozart. Fue el primero que interpretó a Papageno, mientras que el papel de la Reina de la Noche era interpretado por Josepha Hofer, cuñada de Mozart. Según muchos historiadores y críticos, podría haber influencias masónicas en la ópera, ya que se cree que Mozart perteneció a la masonería y en los momentos políticos que se vivían para el momento de su estreno, esta organización era considerada como peligrosa. Muchas de las ideas y motivos de la ópera recuerdan los de la filosofía de la Iluminación.
Actualmente La flauta mágica está presente de manera habitual en los repertorios de los teatros de ópera a nivel internacional. Su estatus como obra maestra de la ópera es incuestionable y ciertamente único dentro del más reducido ámbito del singspiel, donde no tiene comparación posible.
Algunas de sus melodías son muy familiares, como el dúo de Papageno y Papagena, o el aria de coloratura de la Reina de la Noche titulada Der Hölle Rache kocht in meinem Herzen.

Peer Gynt Suite No. 1, Op. 46: Edvard Grieg

Klaviersonate Nr.11: Wolfgang Amadeus Mozart

El Saxofón

El saxofón es un instrumento cónico de la familia de los instrumentos de viento madera, generalmente hecho de latón y consta de una boquilla con una única caña al igual que el clarinete. Fue inventado por el luthier Adolphe Sax en 1846.

Se compone de cinco partes: cuerpo, culata, pabellón, boquilla y pico. Las tres primeras están soldadas entre sí; la boquilla y el pico (salvo en el sopranino y en el soprano) son desmontables. La boquilla se fija en la parte superior del cuerpo y el pico en el extremo de la boquilla. En la parte inferior del pico está sujeta la lengüeta de caña. El cuerpo, la culata y el pabellón presentan varios agujeros que se obturan por medio de unos platillos accionados directamente con los dedos o con unas llaves. La boquilla también tiene su agujero y una llave, denominada llave de octava.

La familia del saxofón comprende: el sopranino en mi bemol, el soprano en si bemol, el contralto en mi bemol, el tenor en si bemol, el barítono en mi bemol, el bajo en si bemol y el contrabajo en mi bemol. Los dos últimos sólo tienen uso en bandas militares. El sopranino y el soprano se distinguen porque en general son rectos; los otros, en cambio, tienen un pabellón curvado en forma de pipa. La boquilla forma un ángulo con el cuerpo (en el tenor tiene forma de S). El más usado en la orquesta sinfónica es el contralto y, más raramente, el tenor, el barítono y el soprano.

Características fundamentales

-Extensión: la extensión total de los siete instrumentos que componen la familia del saxofón abarca cinco octavas y media.

Este instrumento posee una gran flexibilidad de matices y su timbre es penetrante, algo velado, dulce y sensual.

El registro grave es sonoro e intenso. A partir del re del registro medio, el sonido es más cálido e íntimo. A medida que asciende en el registro agudo, el sonido va empobreciéndose, perdiendo su timbre característico.

-Posibilidades técnicas: aunque el saxofón es un instrumento eminentemente lírico, su facilidad técnica es enorme, sobre todo en ligado, en que puede ejecutar cualquier tipo de escalas y arpegios a la misma velocidad que los más ágiles instrumentos de madera.

Genesis

Genesis es una banda Inglesa de rock formada en 1967. Con aproximadamente 150 millones de discos vendidos alrededor de todo el mundo, Génesis está entre los 30 artistas con discos más vendidos de todos los tiempos.
En 1988 la banda ganó un premio Grammy por el mejor concepto de video clip.
Los miembros de Génesis han incluido a Peter Gabriel, Mike Rutherford, Tony Banks, Steve Hackett, Ray Wilson y Phil Collins, quienes han alcanzado éxito también como solistas.
En 1968 firman con Decca y, con ayuda del productor Jonathan King, graban sus primeros dos temas, y un disco llamado 'Desde el Génesis al Apocalipsis' (Chris Stewart fue reemplazado en la batería por John Silver) pero generalmente no tuvieron éxito.
En 1970, la banda llamo la atención de Charisma, y con el productor John Anthony empezaron a trabajar en 'Trespass', un éxito de culto. Antes de reemplazar a Phillips y Mayhew por Phil Collins y Steve Hackett, la clásica línea de Genesis estaba en su lugar, la banda fue, en su primer y ahora legendario tour de1971, una colorida línea de extraño funcionamiento. Sin embargo fue con 'Foxtrot', que Génesis anotó su primer y más criticado éxito, seguido de “Vendiendo a Inglaterra por una libra” en 1973. Pronto se volvió el numero tres en los rankings del Reino Unido, dándole a la banda una gran reputación en América y también dándole su primer tema exitoso en el Reino Unido.
Un año después, Genesis (siendo en ese momento las estrellas de rock mas destacadas) lanzaron el primer concepto de un disco doble “The Lamb Lies Down on Broadway”. Este disco fue también el último hecho por la banda original de Genesis. En mayo de 1975, Peter Gabriel anuncia su retirada, y luego dos años después, Steve Hackett también se marcha para iniciar su carrera como solista.
En 1978 Collins, Banks y Rutherford se mueven de su rock de origen hacia un rock más suave, sonando como el tipo de rock que dominaría las tablas alrededor de todo el mundo en 1980. Se grabaron un gran número de discos durante este periodo, la mayoría de los cuales progresó exitosamente. Pero cuando en marzo de 1996, Phil Collins anunció de repente que iba a dejar la banda, la era Genesis finalmente terminó.

Motete

Canción coral de tipo religioso con textos en latín, de estilo polifónico. Tuvo un gran desarrollo en el Renacimiento, aunque su origen es medieval, del s. XIII. En ese momento se añaden mots («palabras» en francés) a la voz superior en melodías cantadas sin texto, con varias voces. A esta voz se la denominó motetus, y luego se extenderá este nombre para designar todo el canto. La voz inferior o cantus firmus se destinaba al tenor, que cantaba notas más largas en latín; las voces superiores cantaban en latín y otras lenguas, como el francés. En el s. XV, el motete es una pieza polifónica con texto en latín para tres, cuatro e incluso más voces, que adquieren paulatinamente el mismo ritmo, abandonando el cantus firmus. Se cantaba en la liturgia, pero no tenía un carácter obligatorio como las misas, los magnificats, los salmos y los himnos. Hacia el s. XVI, el estilo imitativo será la esencia del motete polifónico. Entre los grandes compositores de motetes destacaron Josquin des Prés, Lasso, Victoria y Palestrina. A comienzos del s. XVII, Giovanni Gabrielli y Monteverdi, componen motetes de tipo policoral con varios solistas y conjunto orquestal, que presentan mayor fuerza expresiva y dramática. En Inglaterra, el motete se llama anthem a partir de la Reforma religiosa de Enrique VIII. Byrd y Purcell sobresalieron en su composición. En Alemania, el motete luterano culmina en el s. XVII con Schütz, alumno del compositor del Barroco temprano Giovanni Gabrielli, quien lo acercó a las nuevas formas italianizantes, y Bach, en un estilo coral y contrapuntístico muy rico y elaborado. Bach escribió seis motetes para voces y bajo instrumental.